REVISTA LIVRE DE CINEMA, uma leitura digital sem medida (super 8, 16, 35, 70 mm, ...)
Revista dedicada a estudos e reflexões sobre o cinema
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CRIAÇÃO DE CINEMA E INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL
O presente artigo apresenta uma discussão sobre os limites da arte cinematográfica em um momento em que imagens, sons, roteirização e montagem podem ser gerados por Inteligência Artificial Generativa (IAG). Filmes que utilizam a IA (Inteligência Artificial) e IAG como ferramenta já foram apresentados no Oscar e em outros festivais, porém, os filmes gerados completamente — ou parte da produção — por uma IAG nos levam a discutir o futuro do cinema, especialmente, o futuro do cineasta/autor. Estaríamos vivenciando uma quebra de paradigmas da linguagem? Uma produção criada por uma IAG pode ser localizada dentro da arte cinematográfica? Ou até mesmo, onde está a autoria dessas produções? São esses os questionamentos levantados através das análises de um recorte de filmes que utilizam a IAG, especialmente uma tríade de produções: O Último Roteirista (2024), Sunspring (2016) e Eu Existo (2023). Portanto, o texto investiga as diferentes abordagens do uso da IAG no cinema e uma pretensão de reconfiguração no ato criativo de produzir, pensar e consumir a linguagem cinematográfica.
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MERCADO PRODUTOR DE AUDIOVISUAL NO PARANÁ
Neste editorial, utilizo os dados do período de 2003 a 2025 sobre Certificados de Produto Brasileiro emitidos pela ANCINE para descrever a dinâmica da produção de audiovisual não publicitário no Paraná, abordando as produtoras ativas nesse mercado, os tipos de produção visual realizados e sua distribuição geográfica.
ARTICULAÇÕES ENTRE TRANSMÍDIA, EDUCAÇÃO E AUDIOVISUAL
O texto destaca os vinte anos da obra Convergence Culture (Jenkins, 2006) como marco fundamental para os estudos de convergência midiática, cultura participativa e narrativa transmídia, evidenciando sua influência nas áreas de comunicação e educação no Brasil, especialmente em pesquisas voltadas ao uso das mídias no ensino e às possibilidades de interação ampliadas pelas tecnologias digitais. Nesse contexto, apresenta a criação do grupo Edumídia (Furb/CNPq) em 2016, na Universidade Regional de Blumenau, como desdobramento desse movimento teórico, com foco na interface entre comunicação, educação e produção audiovisual, tendo como objetivo desenvolver práticas educomunicativas que articulem tecnologias digitais, narrativas transmídia e diferentes linguagens midiáticas, contribuindo para processos de ensino-aprendizagem mais críticos e participativos. Por fim, o texto situa o grupo institucional e regionalmente no PPGE/Furb e na cidade de Blumenau/SC, destacando a relevância da universidade e apresentando o Edumídia como um grupo com dez anos de trajetória nos estudos de mídia e educação no Vale do Itajaí.
Este artigo tem como objetivo principal, examinar a utilização de fashion films pelas marcas de luxo a fim de se conectar com o público de forma inovadora e contemporânea, dispondo de um estilo visual e narrativo único. Para atingir o objetivo geral, foi realizada uma pesquisa qualitativa e descritiva por meio de estudo de caso. Foram selecionados três fashion films lançados pelas marcas Loewe, Miu Miu e Prada - e, analisadas as estratégias utilizadas nestes a partir da teoria de base proposta por Leslie Kam, Kelly Robledo-Dióses e Tomás Atama-Rojas. Como indicadores da pesquisa, observou-se a utilização de métodos de comunicação nas campanhas publicitárias, destacando a adaptação das marcas aos valores contemporâneos por meio da narrativa e estética dos fashion films.
ANÁLISE DAS DINÂMICAS DO CAPITALISMO DE VIGILÂNCIA EM 'A JOAN É PÉSSIMA' DE BLACK MIRROR
O presente estudo tem como objetivo analisar o episódio “A Joan é Péssima” da série Black Mirror sob a perspectiva do conceito de Capitalismo de Vigilância proposto por Zuboff (2020). Para isso, são investigadas as principais características do Capitalismo de Vigilância presentes no episódio, as implicações da vigilância contínua na vida da protagonista, Joan, e nos demais personagens, bem como as formas de controle social e manipulação de dados promovidas pelas plataformas digitais. O estudo se justifica pela necessidade de analisar criticamente como esse episódio representa os mecanismos de controle e manipulação de dados, contribuindo para um debate amplo sobre os desafios éticos e sociais da era digital. Quanto a metodologia, optou-se por uma abordagem qualitativa, de objetivo exploratório com análise de dados documental, uma vez que foi realizada uma análise fílmica. Os resultados obtidos demonstram que se faz necessário refletir sobre a necessidade de regulamentação e maior resistência social para proteger os direitos básicos dos cidadãos no mundo digital. Por fim, a análise permite uma reflexão crítica sobre o impacto da vigilância digital na sociedade contemporânea, destacando como o episódio ilustra a perda de autonomia individual diante das grandes corporações tecnológicas e a exploração da privacidade como mercadoria.
Este artigo analisa como Doutor Estranho no Multiverso da Loucura (Sam Raimi, 2022) mobiliza procedimentos do cinema de terror no interior do blockbuster de super-herói. Parte-se da hipótese de que o filme não incorpora o horror apenas como atmosfera ou ornamento temático, mas como gramática audiovisual capaz de reorganizar espaço, tempo e corpo, deslocando a experiência espectatorial para afetos de ameaça, ansiedade, choque e vulnerabilidade. Metodologicamente, a pesquisa é qualitativa, de caráter exploratório e descritivo, articulando revisão bibliográfica sobre gêneros cinematográficos, horror, blockbuster e franquia com análise filmográfica por segmentação de sequências. O corpus concentra-se em set pieces centrais do longa, especialmente o prólogo, o ataque em Nova York, a cena do pomar, o cerco a Kamar-Taj, a perseguição subsequente e o arco do “Dead Strange”. Os resultados indicam que o filme estrutura sua progressão dramática por meio de procedimentos como perseguição, cerco, intrusão, colapso do espaço seguro e abjeção corporal, convertendo o horror em componente formal da narrativa. Conclui-se que a obra singulariza-se no interior do MCU ao articular aventura, espetáculo e terror como estratégia estética e industrial de diferenciação, ampliando o repertório afetivo do blockbuster de super-herói.
Este artigo examina como quatro filmes contemporâneos — Drive (2011), The Handmaiden (2016), Nightcrawler (2014) e Under the Skin (2013) — reformulam legados do cinema noir ao privilegiar a estética dos afetos. Partindo de uma reconceptualização do "pós-noir" como modo de produção sensível em vez de categoria genérica fixa, e fundamentado na fenomenologia de Merleau-Ponty e nas teorias do afeto (Massumi, Brennan, Sobchack, Marks, Ahmed), analisa-se como esses filmes deslocam o foco do enredo para atmosferas sensoriais que envolvem corpo, espaço e som. Argumenta-se que o pós-noir opera como "laboratório de percepção" onde a emoção é experimentada antes de ser interpretado, refletindo tensões entre imersão estética e condições de produção neoliberais. A análise comparativa evidencia estratégias distintas de mobilização afetiva: da contenção melancólica ao desconforto ético, do erotismo tátil à alienação cosmica.
MILAGRE E REPRESENTAÇÃO EM A CANÇÃO DE BERNADETTE (1943)
O artigo investiga como A Canção de Bernadette (1943) representa Santa Bernadette Soubirous e os milagres de Lourdes dentro do regime clássico de representação cinematográfica. Partindo do debate ontológico sobre o realismo no cinema, especialmente em diálogo com a teoria de André Bazin e com a tipologia do milagre proposta por Pedro Faissol, o trabalho analisa o desafio de filmar aquilo que, por definição, transcende a visibilidade empírica. A pesquisa articula história, hagiografia e análise fílmica para compreender de que modo o filme constrói a experiência visionária sem romper com a coerência narrativa do cinema clássico hollywoodiano. Ao examinar estratégias como o uso do campo e contracampo e a ênfase na transformação espiritual da personagem, o estudo evidencia que o milagre não se apresenta por meio da espetacularização do sobrenatural, mas é sugerido pela encenação e pela organização formal da narrativa. Conclui-se que o filme preserva simultaneamente a dimensão hierofânica do evento religioso e o regime realista de representação que estrutura o cinema clássico, oferecendo uma solução formal para o impasse da representação do milagre no interior de um sistema estético fundado na visibilidade.
IMAGINÁRIO DAS VELHICES LGBTQIAP+ NO CINEMA BRASILEIRO
Este artigo discute os fundamentos metodológicos de uma pesquisa em desenvolvimento no campo da Comunicação e Territorialidades, com foco na análise do imaginário das velhices LGBTQIAP+ no cinema brasileiro, da chanchada à pós-retomada. Ao refletir sobre os atravessamentos metodológicos possíveis, a pesquisa propõe dois movimentos metodológicos: um histórico-arqueológico, voltado a discursos midiáticos, arquivos e à epidemia de HIV/aids (1981–1997), e outro de análise fílmica, baseada em fragmentos e vestígios de cada filme. O artigo reflete, portanto, sobre os desafios de pesquisar arquivos obsoletos, imagens e narrativas fílmicas, propondo uma abordagem transdisciplinar que articula memória queer, afetos, biopolítica, amizade, imaginário e teoria queer como operadores analíticos.
Este artigo analisa as representações do bullying e do cyberbullying no filme Monster (2023), dirigido por Hirokazu Kore-eda, e na minissérie Adolescência (2025), criada por Stephen Graham e Jack Thorne e produzida pela Netflix. Busca-se compreender como ambas as obras articulam dimensões emocionais, institucionais e sociais da violência entre pares no contexto contemporâneo. Com base em revisão teórica sobre bullying e cyberbullying e em análise comparativa das produções audiovisuais, discutem-se a vulnerabilidade adolescente, a incompreensão dos adultos e as limitações das instituições escolares no enfrentamento de conflitos. Os resultados indicam que tanto Monster quanto Adolescência evidenciam a invisibilidade do sofrimento juvenil e a necessidade de políticas integradas de prevenção, envolvendo escola, família e plataformas digitais. Conclui-se que as obras contribuem para ampliar o debate público sobre saúde mental, violência escolar e interações digitais que configuram a experiência adolescente.
Este artigo analisa os modelos de governo apresentados na série A Lenda de Korra, derivada de Avatar: A Lenda de Aang, a partir das categorias teóricas de utopia e distopia. A pesquisa adota abordagem qualitativa de natureza bibliográfica e interpretativa, examinando os projetos políticos formulados pelos antagonistas Amon, Unalaq, Zaheer e Kuvira como experimentos narrativos de radicalização ideológica. O referencial teórico fundamenta-se em Thomas More (1516), ao conceituar a utopia como projeto normativo ideal; Hannah Arendt (1951), na análise do totalitarismo e da supressão da pluralidade; Karl Popper (1945), na crítica ao engenheirismo social utópico; Thomas Hobbes (1651), na defesa da necessidade de autoridade política frente ao estado de natureza; Jean-Jacques Rousseau (1762), na discussão sobre desigualdade moral e política; Michel Foucault (1975), na análise dos dispositivos disciplinares de poder; Émile Durkheim (1897), no conceito de anomia; Isaiah Berlin (1958), na distinção entre liberdade negativa e positiva; e Giorgio Agamben (2003), na reflexão sobre o estado de exceção. Argumenta-se que cada antagonista parte de um valor normativamente legítimo – igualdade, espiritualidade, liberdade ou ordem –, mas que a absolutização desses princípios conduz à eliminação do pluralismo e à configuração de estruturas distópicas. Conclui-se que a série funciona como alegoria contemporânea dos riscos da radicalização ideológica, demonstrando que a supressão do dissenso constitui o ponto de inflexão entre utopia e distopia.
3 VEZES 1 É IGUAL A MARIGHELLA? AS REPRESENTAÇÕES DO GUERRILHEIRO-POETA EM QUATRO PRODUÇÕES AUDIOVISUAIS
Figura emblemática do movimento armado de resistência à ditadura militar brasileira, Carlos Marighella, assassinado em 1969, permanece como personagem central das disputas contemporâneas em torno da memória do período autoritário. Sua trajetória pessoal, suas ações políticas e os sentidos atribuídos à sua imagem no presente seguem mobilizando controvérsias no espaço público. Diante disso, este artigo analisa as representações de Carlos Marighella e os tipos de memória por elas produzidos em quatro obras audiovisuais: os documentários Marighella – Retrato falado do guerrilheiro (2001), Marighella (2011) e Carlos Marighella – Quem samba fica, quem não samba vai embora (2012), bem como a ficcionalização histórica Marighella (2019). A partir do diálogo entre estudos da memória social e análise fílmica, compreende-se o cinema como dispositivo ativo de construção, disputa e reinscrição das memórias sobre a ditadura militar, evidenciando a pluralidade, os conflitos e as reconfigurações da imagem pública de Marighella ao longo do tempo.
O PIANO EM CENA E SUAS RESSONÂNCIAS NO CINEMA CONTEMPORÂNEO
Um(a) jovem ao piano, imerso(a) na interpretação de uma peça desafiadora. Essa é uma imagem frequentemente explorada na linguagem cinematográfica. Esse ensaio buscou oferecer algumas hipóteses para explicar essa recorrência, trazendo alguns exemplos emblemáticos e suscitando algumas análises sobre eles. Indicamos a cinesia da execução dos instrumentos musicais como um fator relevante. Abordamos a presença do piano no universo de ´Peanuts, quadrinhos de Charles Schulz que deram origem a uma série de animações para o cinema e televisão. Nesse caso (assim como nos outros analisados) o piano e o repertório pianístico aparecem como recurso para a representação simbólica dos conflitos psíquicos e interpessoais. No contexto brasileiro, apontamos a representação do piano sob a lente psicanalítica do cinema de Ana Carolina em Das Tripas Coração (1982). Analisamos as produções do século XXI com enfoque no cinema europeu (Call Me By Your Name; Anatomie d’une chute e La Pianiste) e a sua utilização do piano também como elemento representativo de uma identidade cultural.
O CONCEITO DE CRONOTOPO NAS ANÁLISES DE NARRATIVAS SOBRE AS IDENTIDADES CULTURAIS LATINO-AMERICANAS
O presente artigo propõe examinar as relações temporais e espaciais, a partir do conceito bakhtiniano de cronotopo, presentes nos documentários paraguaios Diário de Guaraní(2016) de Marcelo Martinessi e Overava(2012) de Maurício Rial Banti, filmes produzidos no âmbito do programa DOC TV América Latina de fomento à produção e teledifusão de documentários, que tem por objetivo incentivar o intercâmbio e o fortalecimento das identidades culturais latino-americanas. Para tanto, investiga-se como as relações de tempo e espaço são materializadas artisticamente e se articulam com o contexto sócio-histórico como elementos discursivos de identidades nas narrativas audiovisuais.
Este artigo propõe uma leitura de cinco curtas-metragens documentais de Cecilia Mangini à luz das reflexões filosóficas de Emmanuel Alloa, Jean-Luc Nancy e Marie-José Mondzain, reunidas na coletânea Pensar a imagem (2015). Parte-se da ideia de que a imagem não se reduz à representação do real, mas constitui um campo de pensamento e de relação. Ao examinar filmes como Stendalì – Suonano ancora (1960), Maria e i giorni (1960), La canta delle marane (1962), Essere Donne (1965) e Brindisi ’65 (1966), obras que combinam denúncia, ritual e estilo híbrido, investiga-se como Mangini articula a dimensão poética e política, o registro e a reconstrução, os sujeitos marginalizados e a estetização do cotidiano. A partir das categorias de pensatividade (Alloa), méthexis (Nancy) e proveniência/destinação (Mondzain), argumenta-se que a imagem em Mangini opera como forma de restituição simbólica e ética do olhar, participando ativamente de processos de memória, poder e visibilidade. Palavras-chave: Cecilia Mangini; imagem; política; ética do olhar; documentário italiano; méthexis.
O FASCISMO VESTE CAPA? A SEDUÇÃO DA ORDEM E A TIRANIA DOS SUPER-HERÓIS NA CULTURA POP
Este artigo investiga as representações do fascismo e do autoritarismo na cultura pop contemporânea, analisando como narrativas audiovisuais podem simultaneamente criticar e estetizar regimes de exceção. Fundamentado nos conceitos de "Fascismo Eterno" (Umberto Eco) e na teoria da recepção e "Codificação/Decodificação" (Stuart Hall), o ensaio examina a ambivalência presente em obras como Star Wars, The Boys, Ataque dos Titãs e Esse Mundo Não Vai Me Derrubar. A discussão aborda a sedução estética da ordem, o paradoxo do heroísmo autoritário e o fenômeno da apropriação de vilões ficcionais por movimentos extremistas reais. Conclui-se que, na era da convergência midiática, a cultura de massa atua como um campo de disputa ideológica, onde o medo da liberdade é frequentemente instrumentalizado, exigindo literacia crítica para impedir a banalização do totalitarismo sob a forma de entretenimento.
O DEBATE SOBRE AUTORIA FEMININA NO CINEMA E NOVAS PERSPECTIVAS DE ESTUDOS NO CINEMA BRASILEIRO CONTEMPORÂNEO DE FICÇÃO
Pesquisadoras e artistas vêm se debruçando sobre os conceitos de autoria no cinema feito por mulheres desde os anos 70. Todavia, mesmo décadas depois, esse debate ainda está longe de ser esgotado, especialmente ao se considerar recortes e especificidades contemporâneas nessa discussão — como o contexto nacional e regional das artistas, a atuação de outras profissionais na cadeia audiovisual (para além das diretoras) e a interseccionalidade com outras identidades (sexual, de raça, classe social, entre outras). Este artigo busca identificar quais questionamentos, recortes e estudos ainda podem ser feitos após mais de quarenta anos de discussões, principalmente focando na realidade do cinema brasileiro de ficção. Para tal, o trabalho apoia-se em autoras como Bovenschen (1977), De Lauretis (1985), White (2015), Holanda (2021) e Tedesco (2022) para contextualizar e aprofundar a temática.
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A ÉTICA DA IMAGEM NA ERA DA INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL
O presente artigo investiga a crise da veracidade na imagem cinematográfica contemporânea diante da emergência das tecnologias de Inteligência Artificial (IA) generativa. Partindo da ontologia da imagem fotográfica de André Bazin, analisa-se como a transição da captura de luz para a síntese algorítmica rompe o elo de indexicalidade que historicamente legitimou o cinema documental. Discute-se o fenômeno dos deepfakes e a necessidade de uma nova ética do olhar, onde a autenticidade da obra deixa de residir no suporte técnico para se alojar na responsabilidade curatorial do cineasta.
CINEMA DE AUTOR E A JORNADA AUTORAL DE GEORGE LUCAS
Na literatura é muito fácil identificar o autor da obra. E no cinema isso é possível? Há quem defenda que não, considerando que filmes são obras coletivas que dependem da ação de muitos artistas. Porém sabemos também que assim como em uma orquestra temos um número grande de músicos, ela depende da figura do maestro para conduzir e marcar o ritmo do que está na partitura. O “maestro” de um filme seria o “diretor” responsável pela condução do projeto. George Lucas não conseguiu exercer sua autoridade nos três filmes que compõem a chamada “trilogia clássica de Star Wars”, composta pelos Episódios IV, V e VI, mas quando realizou a primeira trilogia com os Episódios I, II e III, teve controle absoluto sobre todas as etapas do processo e com isso exerceu plenamente seu poder de autor
O presente artigo examina como a materialidade da coleção de paper prints da Library of Congress influenciou a preservação de filmes mudos estadunidenses produzidos entre 1893 e 1915. Produzidas com papel brometo para registro de direitos autorais, essas cópias tornaram-se um recurso crucial quando as películas de nitrato originais se deterioraram, não apenas permitindo que filmes importantes do período fossem preservados, mas também ditando os métodos técnicos e artísticos em que sua preservação ocorreu. Baseado em fontes originais de Kemp Niver e John A. Tennant, assim como autores modernos como Paolo Cherchi Usai, Charles B. Grimm e outros, o artigo argumenta que as propriedades físicas das cópias em papel foram um fator decisivo para evitar a perda de parte considerável do cinema estadounidense primitivo, moldando assim compreensões contemporâneas acerca do mesmo.
O CINEMA DA POESIA OU A POESIA DO CINEMA
O presente artigo tem como objetivo discutir o cinema russo e soviético como vetor das artes no período de 1913-1937. Ele assume um caráter polímata que reverbera as diferentes propostas estéticas que circularam no contexto anterior e posterior à Revolução Bolchevique. Para tanto, acompanhamos essas configurações por meio do diálogo profícuo estabelecido, direta e indiretamente, por Eisenstein e Maiakóvski. Não por acaso, o marco temporal aqui estabelecido ecoa os poemas e ensaios produzidos pelos dois escritores. Nessa linha, defendemos que ocorrem trocas, intercâmbios e permeabilidades entre poesia, teatro, produção e cinema. Posições são trocadas: um faz versos com a montagem, o outro com as palavras. Por vezes, essas configurações se alteram e se alternam. Além de produtores, tanto o poeta quanto o cineasta são pensadores dos caminhos do cinema.
Este trabalho objetiva investigar, por uma perspectiva histórica e sociológica, as razões que explicam o crescimento recente de filmes-híbridos, sobretudo os socialmente engajados, no cenário cinematográfico brasileiro contemporâneo. Partindo do contexto de transformação da linguagem audiovisual e do enfraquecimento das fronteiras entre ficção e documentário, o estudo analisa como configurações sociais contribuíram para a emergência dessas estéticas. A pesquisa adota uma abordagem qualitativa, baseada em revisão bibliográfica e análise fílmica, articulando aportes teóricos do cinema e da sociologia para compreender como as transformações na identidade do sujeito contemporâneo se refletem nas escolhas formais desses filmes. Nesse sentido, busca-se demonstrar que o hibridismo audiovisual não apenas responde às complexidades do tempo presente, mas também revela uma mudança de paradigma na representação da realidade. A análise culmina na análise da obra Baronesa (2017), que se destaca como exemplo emblemático do potencial político e estético dos filmes híbridos ao articular documental e ficcional como forma de expressão de vozes socialmente marginalizadas.
INTERSTICIALIDADES ENTRE TEATRO E CINEMA EM CIDADE DE DEUS (2002)
Este estudo aborda as intersticialidades entre teatro e cinema através da análise do filme Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles e Kátia Lund. A partir da análise fílmica (AUMONT, MARIE, 2003; UCHOA, ADAMATTI, 2020), foram exploradas as técnicas cinematográficas e a interpretação dos atores não profissionais para entender como elementos teatrais são incorporados à linguagem visual e narrativa do cinema. Conclui-se que o filme não apenas utiliza esses elementos para enriquecer sua narrativa, mas também adapta de forma particular as influências teatrais, para reverberar o cotidiano das favelas do Rio de Janeiro.
Product placement: prática que consiste na inserção estratégica de marcas, produtos ou serviços em produções cinematográficas. Diferente da publicidade tradicional, o product placement busca integrar-se de forma orgânica ao enredo, aproximando o público do produto sem interromper sua experiência de consumo midiático. Este recurso tem se consolidado como uma estratégia eficaz para ampliar a visibilidade das marcas, gerar associações positivas e influenciar o comportamento do consumidor. O estudo aborda a origem histórica dessa prática junto ao cinema, bem como as vantagens e limitações para utilizá-la em campanhas de publicidade ou propaganda. Além disso, analisa a recepção do público frente a essa técnica, considerando aspectos socioculturais e psicológicos envolvidos no processo de percepção. Por meio de uma reflexão teórica e de um estudo de caso, busca-se compreender a relevância do product placement como ferramenta publicitária contemporânea e seu impacto na construção de valor para empresas e consumidores. PALAVRAS-CHAVE: Cinema; Publicidade; Propaganda; Marcas.
O USO DA MÚSICA NO FILME DE PROPAGANDA NAZISTA
O artigo destaca o papel da música como meio de propaganda no cinema nazista, com foco no filme A Nona Sinfonia (Schlußakkord, 1936), de Detlef Sierck (mais tarde conhecido como Douglas Sirk). A partir de uma abordagem histórico-cultural, investiga-se como a estética sonora foi mobilizada para reforçar uma ideologia de pureza racial. A pesquisa destaca o uso estratégico da harmonia como um símbolo da superioridade da “raça ariana”. O estudo contribui para a compreensão das intersecções entre arte e propaganda no regime nazista.
Afinal, o que é e como definir um autor de cinema? Dentre tantas linhas de pesquisas, pensamentos e teorias, é possível notar algo que chama a atenção: as individualidades de cada autor. Se por um lado o cinema de Godard possui sua marca individual, também é possível notar uma vertente chamada “cinema de massa”, o que contrapõe o próprio pensar da arte cinematográfica. Diante disso, é possível pensar a autoria dentro do território recente? Onde as produções são cheias de referências a outras obras, assim como o modo de fazer o próprio filme teve evoluções, uma figura que se destaca é o diretor Xavier Dolan, que traz em seus filmes dramas pessoais, focados na autoficção para a criação de narrativas. Dolan propõe em seus filmes a quebra da barreira entre vídeo, cinema e arte. Por ora videoclipe, por ora filme, mas sempre falando de suas individualidades. Tomando isso como base, o que se discute nesta pesquisa é a recuperação deste conceito de “cinema de autor”, muito abordado por Michel Foucalt e até mesmo por Gilles Deleuze. Um pensamento onde coloca o diretor como autor de seus filmes para conversar com o público através de temas sociais e políticos, mas que também são individuais. Abordar o cinema do século XXI é abordar inúmeras outras questões de autoria, que levam em conta a referência de outras obras, o plágio ou inspiração e até mesmo as novas formas tecnológicas. Afinal, como reconhecer a autoria de um roteiro que irá virar filme produzido em uma IA, por exemplo.
THE ROLE OF THE WOMEN IN THE FILM EMBODIMENT OF EVIL
This text aims to study the role of women within the work of José Mojica Marins as a filmmaker, particularly in the trilogy that involved his main character, Zé do Caixão, or Coffin Joe. To do so, we will discuss his filmography through theoretical contributions on the female figure in the horror genre, and on the cinematographic productions of this director. The work consists of a qualitative analysis and thus involves an introductory and main analysis of the movie Embodiment of Evil. The conclusion points to a context of structural male chauvinism present at the time when Marins started working with movies, which favored explorations of the female body in a violent way.